Significado de la Escultura tras la Revolución del Siglo XX

Significado de la Escultura tras la Revolución del Siglo XX
por FRANCISCA MARTÍN-CANO ABREU

Texto y dibujos de Francisca Martín-Cano Abreu

MARTÍN-CANO Abreu, F. 063 - (1991, 2000, 2006, 2008, 2011): El arte de Mensa (Mensaartis): El significado de la escultura tras la revolución del siglo XX de Francisca Martín-Cano, Mensa España. Editado en parte (1.376 caracteres) en sp. 2006 por Rakeru. Editado por Michelle Reñé en Portal Mujer Palabra en 11. Editado en parte (6770 caracteres) en Blog: CLUB CAFÉ LOS CUATRO GATOS en 11 . Editado en parte (6770 caracteres) en Blog: CLUB CAFÉ LOS CUATRO GATOS en 11 . Editado por Michelle René en Portal Mujer Palabra en 11 http://martin-cano.galeon.com/artesignifica.htm, http://redrival.com/mensaartis/cuadernos/cu_cambios1.html, www.mujerpalabra.net/pensamiento/franciscamartincanoabreu/significa/0.htm, + (1), + (2), + (3), + (4), foro.artehistoria.net/foro/viewtopic.php?t=967, www.foro.ws/timprimir.php?numero=531&nforo=243832

Resumen: Martin-Cano nos da, desde la psicologia cognitiva, profundas y simples explicaciones sobre lo que significa el arte contemporaneo y lo que pretende explicar el/la artista, facil de entender por todos.

Significado de la Escultura tras la Revolución del Siglo XX

  1. Cambios revolucionarios en el mundo del arte

A principios del siglo XX se produjeron cambios revolucionarios en todo tipo de campos, que permitieron que la sociedad experimentase alteraciones repentinas y variaciones extremas. Cambios revolucionarios que también se propagaron al mundo del arte.

Hasta el siglo XX, la pauta general de las manifestaciones artísticas de las civilizaciones anteriores, había sido proseguir las pautas aprendidas por la tradición, y las modificaciones se iban realizando muy poco a poco, dentro de unos límites de variación permitidos. Durante siglos, la población general de occidente, había apoyado un arte sin modificaciones. Los intentos innovadores, se ignoraban y ocultaban.

La temática artística, durante siglos, se había dedicado a ensalzar los valores que representaba. Los artistas, hasta entonces, habían expresado aquella realidad circundante, como si de un espejo se tratase, que consideraban con honor suficiente para tomar como modelos, sin deformarla, sin criticarla, sin satirizarla. Los temas tratados habían ilustrado los diferentes objetos de interés que a la sociedad les preocupaba y las transformaciones formales que la ideología imponía. Era conmemorativa políticamente (ejemplo, Hoxie, Huntington) o estaba al servicio del poder religioso (Roldán, D’Orleans). Era reflejo exterior de ciertos valores que a los poderes les interesaba hacer conocer a la sociedad y era modeladora de los símbolos que habían de ser imitados.

Hoxie- 1871

Huntington, ca. 1925

M. L. Roldán - s XVII

D’Orleans - s. XIX

La innovación más revolucionaria del siglo XX es la de haber transformado la función del arte de manera radical: de ser un reflejo de las creencias de la sociedad se transformó en la de ser reflejo de la visión interior del artista.

El arte empezó a abandonar todos los clichés conocidos y se convirtió en un campo de libertad. Espacio en el que se materializaban los vientos que soplaban y se respiraban en otras áreas de su entorno, las nuevas ideas de la nueva mentalidad de la época. Mundo en el que se reivindicaba la libertad, la libertad de expresión; en el que se daban imagen a las ideas.

El cambio revolucionario de principios del siglo llevada a cabo por artistas como Picaso y por Kandinsky, con su revolución a principios de siglo en el mundo de la pintura, no se transfirió inmediatamente al mundo de la escultura, en el que los cambios se sucedieron más lentamente.

Pero a medida que las semillas germinaban en otros campos sociales y permitieron ir en contra de las tradiciones obsoletas, hizo que llegase también la ruptura al mundo de la escultura. La escultura, igualmente, sufrió una transformación radical, destruyendo todas las reglas y conquistó la libertad.

2. Temática y características de la escultura del siglo XX

En el siglo XX las esculturas empiezan a abandonar los temas basados en la Naturaleza y en la humanidad e incorporan otros temas más transcendentales. Expresan los grandes conceptos que tanto ha preocupado al individuo.

La obra de arte empieza a ser expresión de algo más profundo que en otros tiempos: representa conceptos filosóficos. Con modos y principios fundamentales distintos a los clásicos.

Con mensajes implícitos en las profundidades de la forma. Formas semejantes a signos con multiplicidad de significados, de metáforas, de asociaciones, de interpretaciones.

Que reflejan la personalidad del artista, su concepción del mundo, su visión interior, su ideología, su subjetividad y sus aspiraciones, su situación, la sociedad, la cultura en la que está inmerso, su grupo social, sus ideas personales: son expresión del yo individual pero coincidente con la de otros sujetos y con la visión universal compartida con otros miembros de la sociedad.

Ahora las nuevas esculturas expresan: dolor, sufrimiento, angustia, desesperación, terror, soledad, opresión, los gritos de protesta, el padecimiento de los oprimidos y la tortura de las guerras, la ironía, la resignación, las ambiciones, la fugacidad de la vida y del tiempo, la pasión y la muerte, la ingenuidad, la fantasía, las reivindicaciones políticas o feministas o las críticas hace lo tradicional...

O bien alegrías y optimismo, el ansia de libertad, los avances científicos o los cambios democráticos, las interrogaciones y las reflexiones, las investigaciones conceptuales, las contradicciones, las ambigüedades, las relaciones en tensión, los conflictos, las paradojas mentales y contrastes sexuales o políticos, los sentimiento libidinosos de los seres y el amor físico y brutal, la perfección formal, la racionalidad mental, la ley y el orden y el cálculo racionalista, la deformación física. Representan las ideas ideales y las ideas reales, las búsquedas de protección y la satisfacción de los deseos y ambiciones, analogías del cuerpo humano y metáforas de sus sentimientos...

CARACTERÍSTICAS DE LA ESCULTURA DEL SIGLO XX

Formalmente, en este siglo XX, nació una nueva escultura, una nueva estética escultórica que rechazaba la imitación de lo real y que reinventa nuevas formas innovadoras; una escultura estridente, fuerte y asombrosa.

Una nueva manera de expresión desgarradora, violenta, furiosa, contraria al antiguo ideal de expresar la belleza. Nació, no con la pretensión de embellecer la realidad y recrearse con lo hermoso y lo delicado, ni tampoco con el deseo de buscar la belleza ideal según cánones obsoletos. Sino que nació con el deseo de destruir la realidad y no de reflejarla sin deformarla, sin criticarla, sin satirizarla; no intentando fantasear sobre la existencia real, sino que nació como reacción contra una realidad y un mundo detestable.

Dejó de presentar la perfección de formas, de acabado o de calidad matérica.

Abandonó el buen gusto, las buenas maneras y las imposiciones establecidas, que exigían no deformar la figura humana.

Abandonó el uso exclusivo de materiales nobles y empezó a usar materiales industriales o de uso cotidiano como resinas, cementos, plexiglás, caucho, madera, látex, polietileno, cuero, etc, cualquier sustancia que el artista considerase oportuna y lo indicase su interés para reflejar mejor su mensaje. Y a veces prescindiendo del material, como en las acciones.

La representación femenina cambió radicalmente de apariencia, tanto respecto a su masa y forma sólida, como respecto a la actitud que la mujer desempeñaba. Dejó de representar exclusivamente a un ser bello, a un objeto de mórbidas carnes lleno de sensualidad expuesto a la contemplación general que el ideal machista griego había plasmado. Las posturas femeninas son retorcidas, se revuelcan o mantienen posturas imposibles; y en vez de ser ninfas áereas que danzan sensualmente, tienen formas o movimientos insólitos o son monstruosas o son de volúmenes macizos...

Ahora las imágenes que representan a mujeres, muestran su dolor y su angustia, muestran todo el dramatismo posible: reflejan tanto fortaleza como pasión, sufrimiento y dolor o deseo de llorar o de chillar frente a la opresión machist, o por el dolor, o por la guerra, bien porque vehiculen los del artista, bien porque reflejan el sufrimiento de las mismas mujeres representadas. (Ejemplo, S. Willians con obras figurativas de figuras femeninas desnudas atormentadas caídas en el suelo, con las que denuncia las agresiones a la mujer, víctimas que gritan y muestran, sin voz, los efectos en sus cuerpos de los abusos masculinos y de la violencia sexual, las violaciones, las agresiones y los malos tratos).

La escultura europea y de la civilización occidental, a partir del siglo XX, abandona los lenguajes imitativos-representativos que la estaban inmovilizando en su progreso y adopta otros lenguajes más abstractos. Ejemplos: Abakanowicz, Bell, Crowder, Frink, Horn, Sala, Rolando, Lacroix, Weill.

Nace un nuevo arte abstracto con un lenguaje renovador y con raíces en el de África y de Oceanía y en el arte escultórico de las figurillas femeninas abstractas neolíticas (ejemplo, L. Willians).

- Abakanowicz- 1985
Bell - 1991

Crowder - 1979

Frink -- 1968
Horn - 1992
Sala s. XX
Rolandos. XX

Lacroix - 1988

- Weill - ca. 1980

L. Williams - 1993

3. Significado del arte del siglo XX

La obra de arte del siglo XX, influenciada por el espíritu del surrealismo, produce obras basadas en los principios inarticulados del inconsciente. Por lo que el arte se aparta formalmente de la normalidad racional y suele dejar a los receptores de la obra de arte sin comprensión, al ser menos conocidas las traducciones de sus simbologías y metáforas.

De ahí que el espectador se haya alejado un poco del disfrute de la obra de vanguardia, quizás porque su conocimiento no se satisface en la contemplación artística. La afición escultórica se ha limitado y ha estado por tanto restringida a ciertos círculos elitistas, a ciertos iniciados que se apasionan por el universo hermético del arte contemporáneo.

Los contempladores reclaman encontrar sentido a las esculturas contemporáneas y es preciso facilitar al público explicaciones que les acerquen a la comprensión del arte. Dado que la escultura que es una actividad humana, es factible encontrarle significado. Como cualquier otra expresión de la vida surge condicionada por la vida humana, es un fenómeno más de los fenómenos sociales y como tal sufre el condicionamiento general que a éstos les es propio.

La escultura siempre significa algo, tiene un componente intelectual que el artista creador quiere comunicar y en la que se implica el ser total del individuo, con una función comunicativa y significación propia. Es una actividad creativa que satisface las necesidades cognitivas del artista.

Significación que puede ser relativa a la satisfacción y defensa de nuestros ideales, de nuestros sueños, de nuestras necesidades o de nuestras preocupaciones y de nuestras críticas. O relativas a nuestra ansia de alcanzar la perfección o de ser uno/a mismo/a. O relativo al campo de la libertad, de la experimentación.

La intención del artista puede ser la de dar un mensaje de rebeldía o ayudar a los contempladores a adquirir conductas más flexibles hacia la tolerancia; la de despertar el sentido crítico de la sociedad o contrariamente apoyar a la tradición, las convenciones, la defensa del orden social inmutable. (Curiosamente el arte se ha modificado estos últimos siglos desde el embelesamiento que los espectadores sentían por una obra de arte de pura belleza de formas impuesto por el machismo griego de hace 3.000 años, o por la piedad del arte religioso impuesto por el cristinismo, a participar en una acción modificando una obra o martilleando o jugando simplemente en muchos happenings).

A través de la obra de arte los escultores tratamos de exponer nuestro personal manera de pensar y sentir. Con la escultura lanzamos metafóricamente nuestro mensaje, nuestro filosofía, nuestra exhortación, un decir: sed racionales o sed expresivos, sed disciplinados o sed naturales; nuestro deseo de que seáis fuertes o de que seáis bellos; sed tradicionales o sed innovadores.

Cada artista estamos condicionado por variables factores ambientales en la elección estilística. Pero esta elección no supone en absoluto arbitrariedad. Sino que, siendo como es la escultura, expresión de nuestra personalidad como artista, autoexpresión directa del yo, resultado de nuestra manera de ser, pensar y sentir; de nuestra ideología, de nuestro idealismo, de nuestro compromiso social, de nuestra utopía, de nuestra filosofía, de los valores que consciente o inconscientemente nos motivan, cada artista elegimos un estilo como sistema, una solución que aunque, de manera irracional, inconsciente, está perfectamente en coherencia y de acuerdo con nuestras intenciones.

Elegimos aquel estilo más significativo de nuestra filosofía; preferimos el que mejor se adapta a plasmar nuestro mensaje que nos ayude a modificar el mundo.

4. Tendencias

Algunos creadores elegimos un lenguaje EXPRESIVO de formas emotivas, texturas ásperas y vitales y realizamos nuestras esculturas de forma poco estructurada, indeterminada y ambigua. Con las que reflejamos el desorden social, la ausencia de planificación y de racionalidad. Son el resultado de la manifestación de nuestro instinto vital y espontáneo. Y traducen nuestros valores subjetivos e informalistas como autores de las mismas.

Otros creadores se interesan por una escultura de tendencia GEOMÉTRICA, de formas puras y perfectos acabados. Y realizan esculturas geométrica-constructivistas, sometidas a reglas estrictas, racionalistas e impersonales; escultura con un lenguaje matemático y perfecto. Que evocan el orden geométrico y que buscan el equilibrio idealizado, perfecto y sistemático. Y son el resultado de una reflexión fría y racional, de gran sobriedad en la que está totalmente descartado el mundo de la imaginación. Con la que los creadores muestran su convicción de que el arte puede contribuir a hacer más elevadas las necesidades de la sociedad. Con las que tratan de difundir su deseo de eliminar lo instintivo y espontáneo de los sujetos.

EXPRESIVO <---> GEOMÉTRICO
Instinto frente a razón.
Emoción frente a frialdad.
Vitalidad frente a disciplina.
Emotividad frente a austeridad.
Expresión confidencial de los sentimientos frente a trazo impersonal sin huella emotiva.
arte como manifestación de la imperfección del mundo frente a un arte que contribuye al deseo de alcanzar la pureza del ser.
Ordenación del mundo con normas adaptadas a la idiosincrasia del artista, frente a ordenarlo de forma disciplinada y normativa.
Talla y modelado frente a constructivismo y ensamblaje.
Escultura llena de energía y movimiento o en reposo y calmada.
De líneas curvas, nerviosas, espontáneas o de líneas rectas, autocontroladas, pensadas.
Formas informales sin contornos limitados o formas geométricas y áreas uniformes de colores puros.
Orientación por las emociones o por el cerebro.

Situándose entre ambos polos extremos, el expresivo y el geométrico, la elección del lenguaje que cada artista realizamos para afirmar nuestra personal visión y concepción del mundo. Visiones que no necesariamente son inmutables a lo largo de nuestra vida sino que se van modificando con el tiempo. Y esta evolución se refleja en las esculturas. Incluso de forma inconsciente la obra de arte evidencia y plasma enteramente dicha evolución.

Sin que falte por supuesto ejemplos escultóricos en los que se armonizan las dos tendencias, en que se integren los dos opuestos lenguajes como un enfrentamiento continuo entre ambos espacios desordenado y ordenado.

Pero igualmente, ambas tendencias participando de iguales valores subversivos y anárquicos, en la forma y en el contenido y dirigidos a destruir las maneras autoritarias. Ambas tendencias coexistiendo pacíficamente en el panorama mundial, sin que los gobiernos democráticos o fuerzas fácticas otorguen supremacía a ninguna de ellas.

Ambas con igual función: esculturas simbólicas como motores del progreso, como innovadores de la sociedad, como reflejos de una época rica y plural, como mecanismos para que la humanidad pueda conocer y cambiar el mundo, como socavadores de cualquier autoridad de un solo lenguaje.

Entre estos dos polos: expresivo y geométrico se encuentran los diversos movimientos artísticos nacidos en el siglo XX como el minimalismo o el expresionismo, el surrealismo, el pop art, el conceptual, el suprematismo, la figuración expresiva o la abstracción geométrica, el expresionismo abstracto o la nueva figuración...

5. Algunos movimientos artísticos

Este siglo XX se caracteriza por la gran variedad y simultaneidad de opciones o tendencias o movimientos o estéticas artísticas. Y curiosamente se presentan contradicciones y paradojas muy sorprendentes dentro de cada una.

Así, algunas tendencias postulan propuestas que son innovadoras a las ideas convencionales de la sociedad y a ella se adhieren artistas rebeldes y críticos. Pero en contra de sus doctrinas propugnan un orden tan estricto, unas normas tan dogmáticas, unos formalismos geométricos tan reglados que van en contra del individualismo, de la espontaneidad y de la plasmación del sentimiento crítico. Por ejemplo la tendencia geométrica en apariencia, propugna una escultura subversiva, pero concediendo la supremacía a la forma universal y perfecta y abogando por la separación del arte y del sentimiento. Quizás en el fondo tengan un contenido autoritario.

Otros movimientos escultóricos, innovadores y subversivos en su momento histórico, nacidos en contra de las convenciones sociales, han sido explícitamente antifeministas y fascistas. Como por ejemplo el movimiento futurista, en cuyo manifiesto Marinetti proclamaba explícitamente su desprecio hacia las mujeres y hacía una apología de la ideología fascista que glorificaba la guerra. (La artista, también perteneciente a este movimientos Valentina de Saint-Point, sin embargo, contraponía otro manifiesto reivindicativo feminista en el que aconsejaba a las mujeres "dejad de someter a los varones a las necesidades sentimentales".

Otras tendencias, como el conceptual, tienen ideas políticas y son críticas con el capitalismo burgués. Ponen en cuestión el mercantilismo de la sociedad desarrollada a la que tratan de modificar con su visión crítica. Para terminar paradójicamente convirtiendo sus propias esculturas conceptuales en mercancías comerciales y valiosas.

Aunque, lógicamente, muchos seguidores de un movimiento no respetan todos los dogmas de la tendencia elegida y se contagian con estéticas opuestas. Y crean esculturas en las que se integran principios opuestos. Como por ejemplo, mezclan lenguajes abstractos con figurativos; principios geométricos con tendencias expresivas. O incluso un mismo creador presenta evolutivamente dos opciones opuestas a lo largo de su vida.

A continuación explicamos algunas características de los principales movimientos artísticos ejemplificados con dibujos de esculturas o relieves de diferentes artistas.

La FIGURACIÓN REALISTA es la forma convencional de hacer escultura figurativa que presenta lo real. Ejemplo son las esculturas de animales de Bonheur y los retratos de Foley.

La CONSTRUCCIÓN FIGURATIVA corresponde a una figuración esquematizada realizada con estructura constructivista, con una serie de planos y formas abiertas. De contenido figurativo suele transmitir ciertos sentimientos de angustia o sensaciones agresivas.

La escultora Marisol es ejemplo de artista de construcciones figurativas.

En la FIGURACIÓN GEOMÉTRICA se talla una figura pero adecuándose a formas geométricas.

Ejemplo G. Whitney con sus formas figurativas inscritas en volúmenes geométricos

Bonheur

- M. Foley- 1867

- Marisol - 1960

G. Whitney - 1929

La ABSTRACCIÓN NEO-FIGURATIVA usa de formas esquemáticas y estilizadas para presentar la figura humana o animal.

Artistas que usan un lenguaje abstracto neo-figurativo son: Janvic con sus esculturas orgánicas, Lavauvie, Mann, Martins y Núñez.

Janvic - 1957

Labauvie - 1989

Mann- 1990

Martins - ca. 1960
- Nuñez del Prado- ca. 1940

Artistas que eligen el lenguaje de la FIGURACIÓN EXPRESIVA intentan dar una imagen de la realidad mediante una figuración expresiva. Se expresan a través de figuras toscas o sobrias, corrosivas y deformadas, con una finalidad social o una intencionalidad política. En algunos casos, tratan de hacer una sátira de algún estamento de la sociedad de manera legible y con la figuración a que están habituados.

Hacen una escultura figurativa expresiva: Butterfield, Cañero, Frink, Richier.

Butterfield - 1990
- Cañero - 1988

Frink

- Richier - 1953

La NUEVA FIGURACIÓN / nuevo arte figurativo / la nueva objetividad / el nuevo realismo / neo-Dadá es una tendencia escultórica que vuelve a la representación y a la realización de esculturas con objetos reales. Introducen objetos cotidianos, fotografías, símbolos, todo lo que el creador considere oportuno. Este movimiento realiza una escultura figurativa fuertemente expresiva, comprensible. Normalmente con un mensaje de denuncia pesimista.

- De Saint-Phalle - 1985

Una representante de la Nueva Figuración es Niki de Saint-Phalle, que realiza representaciones femeninas realistas rodeada de montones de objetos trivales, como divertidos testimonios de denuncia de su situación de opresión.

Hanson- 1985

El POP-ART / el neo-geo es una tendencia del arte figurativo que retorna de nuevo a la imagen, pero a los objetos comunes y triviales. Los trata sin emoción, de forma inexpresiva aunque embellecida. Y defiende el uso de materiales no exclusivamente nobles en el arte.

Es una nueva figuración, un nuevo realismo de imágenes esplendorosas y vigorosas, inspirados en la publicidad de la vida moderna, en los tebeos, en lo popular y en lo barato y que entienden todas las capas de la población. Pero voluntariamente vulgares expresando optimismo, triunfo, superioridad, confianza, seducción. Refleja y satiriza la mentalidad consumista, con un frío sentido del humor y de manera desencantada.

Quizás pudiera incluirse en el pop-art la obra de Hanson.

El HIPERREALISMO / cool art (arte frío) es una manera de acercarse al arte y a la realidad reflejando escenas de la vida cotidiana de manera muy real. En esculturas se utiliza el poliéster coloreado que da apariencia casi viva, en el que se incrustan todos tipo de materiales necesarios para que imite a la vida como el vello, los ojos.

Un ejemplo sería la obra de Ferrian.

El DADÁ y el SURREALISMO nacieron como movimientos innovadores y antiacademicistas. Surgieron como una rebelión contra la sociedad y el capitalismo burgués. Defendían la liberación del artista sometido hasta el momento por la racionalidad y propugnaban el uso de la fantasía e irracionalidad en la construcción de las obras de arte.

Las piezas surrealistas siguen unas leyes diferentes a las del pensamiento de la vigilia; son imaginativas y realizadas sin control de la mente de manera automática; reflejan el inconsciente, las pesadillas de los sueños, la angustia vital, la muerte.

Ejemplo de obra de arte de lenguaje surrealista sería los "tacones empaquetados" de la artista revolucionaria, calificada de "andrógina" / como la de los varones, de Oppenheim, aunque sus esculturas no tengan un contenido irracional. Su pieza literalmente queda traducida por "las mujeres tenemos los pies atados, no podemos movernos a voluntad propia"; por eso no es totalmente surrealista.

Ferrian - ca. 1950

Oppenheim - 1936

El CONSTRUCTIVISMO / la ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA es una tendencia estética que impone una visión racionalista, geométrica, matemática del arte. Surgió en reacción al arte romántico y figurativo.

Los creadores constructivistas proponen un arte abstracto científico en oposición a un arte de meras ideas. Defienden un tipo de arte contrario al expresionismo abstracto. Se trata de hacer una escultura que no exprese nada, que no represente nada, que sea severa y a base de líneas rectas en la que esté ausente la curva, signo que (según ellos) evidencia la confusión mental típica del barroco. Y además no ofrecen la imagen humana que está eliminada de sus piezas.

Los seguidores constructivistas defienden dogmáticamente un arte austero de formas geométricas. Una escultura sometida a principios rígidos y que busca la perfección formal sin dar la oportunidad de que la persona pueda expresar nada libremente. Un arte frío y racional síntoma de la confianza que se tiene en esta facultad para el progreso humano. No buscan la agradabilidad con sus esculturas. Intenta la búsqueda de la perfección a través del orden y de la represión del sentimiento y de la emoción.

Las construcciones abstractas suelen ser composiciones metálicas, que además no son modeladas manualmente sino que son obras construidas industrialmente, a veces sobre proyectos del artista.

Escultores constructivistas son: Droc, Ferrara, Solano, Tuitt, Vieira, aunque no renuncian a introducir cierta expresividad y desorden.

Droc - 1972

Ferrara - 1976
Solano - ca. 1977

Tuitt - ca. 1950

Vieira - ca. 1969

El arte CONCRETO fue una tendencia del arte abstracto basado en el constructivismo. Los creadores de esta tendencia realizaron composiciones lineales austeras más complicadas que las más simples del constructivismo, valiéndose de formas geométricas elementales, ordenadas armónicamente. Las obras presentaban las características opuestas a lo natural en las que se prescindía de la realidad y pretendían hacer concreciones abstractas.

El EXPRESIONISMO ABSTRACTO / el NEO-CONCRETO / la ABSTRACIÓN LÍRICA / el INFORMALISMO / el TACHISMO es un movimiento artístico que expresa audacia; surge como reacción a la austeridad del arte concreto y defiende un arte desformalizador o informalista, un arte sensible en el que tiene primacía el instinto sobre la razón. Lo importante es que la escultura con formas abstractas transmita alguna emoción, sea testimonio y refleje el temperamento del creador y los sentimientos como la animación o la furia, el terror o la tristeza.

Escultores que se expresan siguiendo pautas pertenecientes al expresionismo abstracto son Alfageme, Hepworth, Labauvie, Kobro cuya obra liviana es expresiva de tranquilidad y de deseo de libertad, Penalba.

Alfageme - 1972

Hepworth - ca. 1945

Labauvie - 1989
Kobro - 1921
- Penalba - 1964

La CONSTRUCCIÓN EXPRESIVA la siguen los creadores que integran principios opuestos y mezclan los principios geométricos con los expresivos en obras abstractas geométricas, pero fuertemente emotivas.

Hacen una obra geométrica expresiva: Meier-Denninghoff, Udinoti.

- Meier-Denninghoff 1969

Udinotti siglo XX

El MINIMALISMO es un arte que nace como reacción a la pasión e intensidad del expresionismo abstracto. Busca formas simples, reducidas a lo esencial y las trata con gran rigor intelectual. Es un arte agresivo y duro. Reclama una concepción normativa del arte y la adopción de unas normas estrictas, por lo que recurre a elementos geométricos.

Este arte se caracteriza por partir de una idea lógica y plasmarla evitando cualquier expresión sentimental. A base de secuencias repetitivas, seriales, repeticiones idénticas de elementos geométricos como triángulos o círculos o esferas no manipulados y decantándose por materiales totalmente alejados de la tradición plástica, como luces de neón, contrachapado, plexiglás, caucho, latón, plomo que permiten realizar piezas extraordinariamente diversas, dispuestos artísticamente con un ritmo espacial. Esta tendencia inicia el carácter de la escultura como paisaje al disponerla horizontalmente.

Miyawaki sería un ejemplo de artista minimalista.

Miyawaki - ca. 1988
- Hesse - 1967

POSTMINIMALISMO es un estilo que nace en reacción al minimalismo, en contra de su rigidez geométrica, de su ideología austera. Y en oposición al arte bien hecho, el postminimalismo aspira a un arte sucio como un acto de provocación. Tiene una nueva sensibilidad que subraya la vulnerabilidad del arte y de la vida. Concibe el arte como objeto no comercial, como actividad artística, como comportamiento. Representante de este movimiento artístico es Hesse que realizó esculturas con materiales no resistentes, pobres y poco manipulados.

El arte CONCEPTUAL / la ANTI-FORM / el arte POVERA / environmental art es una tendencia artística que forma parte de lo que se ha dado en llamar "artes de la reflexión".

Es una forma experimental de arte que surgió en los años 60. Se caracteriza por ser un austero y anticonvencional en el que el artista renuncia a todo lo que signifique representación y estilo, manifestación de talento o de individualidad, hacer un objeto transportable y vendible. Este movimiento reemplaza el objeto con proposiciones e ideas que se desarrolla en espacios y proponen la investigación del pensamiento mudo, del arte pobre; es un arte interesado en las ideas.

arte conceptual es todo aquel en que la voluntad del creador dice de algo explícitamente que es arte. Gustan también de la repetición como en el minimalismo.

El arte conceptual incluye tanto las esculturas que usan materiales efímeros esparcidos y colocado por los suelos (pigmentos, metales, trozos de cristales, objetos encontrados, materiales industriales desechados, madera tosca, arena, caucho, fieltro, productos sin valor, etc) como a los artistas que realizan acciones exhibiéndose a sí mismos como esculturas vivas o bien hacen intervenciones en lugares apartados, que alteran la Naturaleza y que hacen conocer mediante fotografías.

Los PERFORMANCES / los HAPPENINGS / Fluxus / VIDEO ART / LAND ART o Eartworks (arte de la tierra, del paisaje) / Site Sculpture y los BODY ART son un desarrollo contemporáneo de las llamadas "artes de la acción" o acciones conceptuales. Son acciones-espectáculos instantáneas relacionadas con el arte conceptual, surgidas también en los años sesenta.

La Instalación, más que una obra escultórica es una experimentación, una escenificación que trata de destruir la idea de escultura como monumento. Lo que importa no es la obra en sí sino la puesta en escena y la relación que le interesa al artista mostrar. No conmemora nada. Lootz realiza instalaciones.

Los Happenings consisten en representaciones teatrales, una especie de psicodrama de carácter contestatario en el que actúan los artistas e incorpora técnicas de reproducción de imágenes.

En los happening a veces se pide la participación del espectador con una intención crítico social y provocativa. Intenta revelar las contradicciones de las ideas convencionales de la sociedad desarrollada y capitalista. Consiguen provocar por lo inhabitual.

Se llama Fluxus cuando es un arte de acción en forma musical, un concierto que une la música de ruidos con el gestualismo. Una representante del Fluxus es Carolee Schneemann.

Artista conceptualista ha sido Ono, que ha realizado escenificaciones teatrales y happenings-acciones en multitud de escenarios, como recibir a la prensa en la cama con su esposo.

Los Body-art (arte del cuerpo) son sucesos en los que se trata de decorar o deformar el propio cuerpo del artista, que de este modo encuentra su modo de expresión.

Muchas mujeres surgidas del inconformismo y de la protesta, comprometidas con los movimientos feministas se interesaron por este tipo de arte conceptual. Participaron con su trabajo e introdujeron nuevos materiales y procesos. Y consiguieron impactar lo suficiente al cuestionarse el arte tradicional y contribuyeron a que el conceptual se desarrollase. A través de este arte expresaban sus consciencias políticas y sociales y llamaban la atención hacia la vida marginada y oprimida de la mujer en la cultura occidental, hacia los estereotipos de un arte patriarcal, hacia la ideología machista, reclamando una revisión e investigación de la historia femenina.

6. Nueva función de la escultura pública

Los gobernantes occidentales se dieron cuenta del importante sistema expresivo que representaba la escultura urbana como sistema de comunicación de gran impacto.

Por lo que decidieron apoyar un arte público situando esculturas en parques y jardines, avenidas, aeropuertos, paradas de autobuses y autopistas, en barrios y en zonas residenciales de grandes ciudades y pequeños pueblos, contextos desde los cuales alcanzasen a toda la colectividad.

Algunas obras de arte a la intemperie son las de Abreu, Doltz, Ladevèze, Laverón, Xargay.

Descubrieron que desde su ubicación pública las esculturas urbanas son testimonios culturales que se ofrecen de manera simultánea y de manera involuntaria y automática a ingentes masas que reciben el mensaje que el artista individual plasma y que ejercen su influencia profunda de manera continua y permiten que su enorme potencial comunicativo llegue a los ciudadanos de forma generalizada.

- Abreu - 1988

Dolz - ca. 1983

Ladevèze- 1974
Laverón- ca. 1969
Xargay - siglo XX

Que a diferencia de los santuarios de los Museos facilita el que las capas de menor instrucción se aprovechen del estímulo visual, del disfrute del patrimonio que tradicionalmente estaba reservada a las clases pudientes y privilegiadas que eran quienes exclusivamente tenían la oportunidad de visitar los Museos.

Esculturas urbanas que se desmitifican y se bajan al nivel humano; se elimina el pedestal que la sustentaba que las alejaba de los contempladores y sale al encuentro del ciudadano para que desde su nueva posición las obras monumentales mejor lleguen e influyan en todas las capas de la sociedad. afectando de manera imperceptible con su deshibición en los ciudadanos y desarrollando cierto mimetismo generalizado.

Los gobernantes utilizan la nueva función de forma más cultural y confrontan en el espacio estéticas diferentes e integran esculturas de fuertes contrastes entre sí y con el entorno. Apoyan una escultura pública sin uniformidad y promocionan monumentos que cristalizan y defienden maneras de pensar revolucionarias. Que divulgan y transmiten unos valores de forma subyacente y que son elaboradas y recogidas por el inconsciente colectivo. Que magnifican y prestigian los valores que reflejan. Que exponen y divulgan soluciones innovadoras, cataclismos estéticos. Obras de arte que ofrecen en alto grado el refinamiento de la sensibilidad humana.

Con lo que los receptores que disfrutan de la obra de arte pública tienen ante sus ojos unas oportunidades como nunca habían tenido antes. Observan de continuo esculturas pertenecientes a tendencias diversas de forma no aisladas. No formando parte de ghettos, de grupos coherentes y homogéneos sino coexistiendo y dialogando en armonía.

Síntomas de una época pluralista que admite pluralidad de opciones tanto políticas como religiosas, económicas y psicológicas, científicas y espirituales. Sin sexismo, sin racismo, sin clasismo, sin exclusividades estéticas, en contra de todo integrismo que defienda la pureza o la homogeneidad.

Y los ciudadanos al estar en el entorno de elementos culturales de diversas tendencias que le testimonian armonía aprenden a interiorizar el patrón cultural de pluralidad que representan. Reciben una filosofía integradora posibilitadora de convivencia entre la innovación y lo tradicional.

La pluralidad estética permite que se modelen patrones de acción fundamentados en diferentes filosofías, en diferentes principios. Permite que se adquieran pluralidad de valores, aumento de tolerancia, flexibilización de conductas a la vez que se aumenta la pasión estética. Aprendizajes plurales que se transfieren a otros campos sin el esfuerzo de ir en su búsqueda.

Por lo que las producciones escultóricas de vanguardia que forman parte de la escultura urbana realizan cambios en los valores y pautas de una sociedad. Y permiten eliminar la resistencia al cambio de actitudes demasiado autoritarias, a la vez que cambia el gusto estético.

Sin embargo hoy más que nunca la escultura urbana es elitista. Es incomprensible. Al no ser figurativa no encuentra pronta significación en las masas. Sin embargo ese elitismo es gozado por todos; no se entierran en los Museos sino que se colocan en las calles, al aire libre.
Las nuevas maneras expresivas de la escultura urbana occidental del siglo XX despiertan curiosas fuerzas emotivas en los contempladores: de atracción o de rechazo. Y dependen de los condicionamientos culturales la diversidad de reacciones individuales.

Suelen ejercer enorme fascinación y estimulan las más vigorosas adhesiones en los sujetos que sienten a su través profundos placeres y satisfacciones, que vibran, reviven y sintonizan con lo que el artista transmite, con lo que la obra de arte expresa.

Mientras que la contemplación de la escultura contemporánea todavía despierta hostilidad en quienes les repugna, en quienes ejercen una ferviente reacción de rechazo.

A otros espectadores los deja indiferentes y no les dice nada, dejan intacta la contemplación artística.

Algunas esculturas con sus atractivas curvas suaves nos alegran, nos calman y tranquilizan; otras con sus llamativos colores, sus estridencia y sus formas agresivas nos excitan y estimulan; algunas fascinan; otras repugnan, mueven a la reflexión o sorprenden.

Todas atraen la mirada y son imágenes del tiempo, enriquecen el espacio y provocan el deseo de permanecer en su cercanía. Y se convierten en fuente de atracción publicitaria y turística.

Francisca Martín-Cano Abreu

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MRTÍN-CANO: El significado de la escultura tras la revolución del siglo XX

Índice:
1. Cambios revolucionarios en el mundo del arte
2. Temática y características de la escultura del siglo XX
CARACTERÍSTICAS DE LA ESCULTURA DEL SIGLO XX
3. Significado del arte del siglo XX
4. Tendencias
5. Algunos movimientos artísticos
6. Nueva función de la escultura pública

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MARTÍN-CANO, F.: (246) - (2012): Sexualidad femenina en diversas culturas. De ninfómanas a decentes. Chiado Editorial, 296 pgs., ISBN: 9789896976200. Depósito Legal n.º 342795/12. 1.ª edición: Maio
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MARTÍN-CANO, F.: (257) - (2013): Sexualidad femenina en ritos, obras de arte y mitos. Del mundo de la Diosa a la sociedad patriarcal. Tomo 2. Chiado Editorial, 347 págs., ISBN: 978-989-51-0219-8. Depósito Legal n.º 355559/13. 1.ª edición: Maio, 2013
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MARTÍN-CANO, F.: (319) - (2016): Arqueología Feminista Ibérica. Letras de Autor Editorial, 653 pgs., ISBN: 978-84-16538-67-6. Depósito Legal: M-2054-2016. Primera edición: enero 2016
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